2025년 개봉작인 영화 ‘프랑켄슈타인’은 기예르모 델 토로 감독의 독창적 해석 아래 고전 문학을 현대적으로 재구성한 작품이다. 오스카 아이작과 제이컵 엘로디가 각각 프랑켄슈타인 박사와 창조된 괴물 역을 맡아, 인간 존재의 윤리와 정체성을 깊이 있게 탐구한다. 이 영화는 단순한 공포나 괴물 이야기를 넘어, 창조와 버림, 책임과 연민이라는 본질적인 인간 문제를 무게 있게 다룬다. 델 토로 감독 특유의 미장센과 감성적 비주얼은 이 고전을 현대 사회와 철학적 문제의식 속에서 다시 살려내며, 심리 스릴러와 SF, 그리고 철학 드라마를 오가는 새로운 ‘프랑켄슈타인’을 예고하고 있다.
고전을 다시 태어나게 하다, ‘프랑켄슈타인’의 귀환
영화 ‘프랑켄슈타인(Frankenstein, 예정작)’은 수많은 리메이크와 재해석 속에서도 여전히 살아 숨 쉬는 메리 셸리의 고전을 기반으로 한다. 그러나 이번 작품은 단순한 재현을 넘어서, 기예르모 델 토로 감독의 손에서 완전히 새로운 감성적 색채로 다시 태어난다. 특히 오스카 아이작이 빅터 프랑켄슈타인 박사를, 제이컵 엘로디가 그가 창조한 피조물을 연기한다는 점은 캐스팅 단계에서부터 큰 주목을 받았다. 두 배우 모두 강렬한 감정 표현과 내면의 균열을 설득력 있게 표현해 낸 전적이 있는 만큼, 이 영화가 단순한 고딕 공포물이 아닌, 인간 존재의 본질을 파고드는 심리극에 가까울 것이란 기대가 높다. 영화의 배경은 원작의 19세기 유럽을 그대로 차용하되, 델 토로 감독 특유의 초현실적 색채와 다크 판타지 요소를 적극 도입하여 현실과 비현실의 경계를 흐릿하게 만든다. 여기에서 중요한 것은, 괴물이 단지 인간을 위협하는 존재가 아니라, ‘버림받은 생명체’로서의 고통과 정체성을 상징하는 인물로 그려진다는 점이다. 이는 기존의 프랑켄슈타인 해석들이 놓쳐온 윤리적 무게감을 다시금 부각하는 동시에, 현대 과학기술 시대 속 ‘창조와 책임’의 테마를 극대화하는 장치로 기능한다. 델 토로 감독은 기존에도 ‘판의 미로’, ‘셰이프 오브 워터’ 등에서 인간 외 존재에 대한 연민과 서정성을 탁월하게 표현해 낸 바 있다. 이번 작품 또한 괴물에 대한 공포를 넘어서, 괴물로부터 인간을 성찰하게 만드는 메타적 구조를 취할 것으로 보인다. 서론에서는 이렇게 ‘프랑켄슈타인’이 단순한 장르 영화가 아닌, 인간 존재론에 대한 철학적 질문을 품은 복합적 텍스트임을 강조했다. 이어지는 본론에서는 줄거리의 주요 흐름, 캐릭터의 구조적 배치, 연출적 특징을 중점적으로 살펴본다.
창조자와 피조물의 전쟁, 윤리의 경계를 넘어선 이야기
줄거리의 중심은 원작과 유사하게, 젊은 과학자 빅터 프랑켄슈타인이 죽은 조직을 이어 붙여 새로운 생명체를 창조하면서 시작된다. 그러나 이번 영화에서의 프랑켄슈타인은 단지 과학에 도취된 미친 박사가 아니라, 상실과 고통에서 도망치려는 한 인간으로 설정된다. 그는 가족을 잃은 트라우마와 자신에 대한 무력감에서 벗어나기 위해 생명체를 창조하려고 하며, 이 과정에서 자신의 윤리적 한계와 도덕적 책임을 점차 망각하게 된다. 오스카 아이작은 이러한 인물의 내면을 절제된 감정으로 표현하며, 관객이 그를 비난하기 전에 먼저 이해하게 만든다. 반면, 제이컵 엘로디가 연기하는 괴물은 외형적으로는 기형적이지만, 내면은 매우 복잡하고 섬세하게 설계된다. 그는 자신의 존재 이유에 대한 끊임없는 질문, 버림받음에 대한 분노, 그리고 인간들에 대한 갈망과 절망을 동시에 경험한다. 이 영화에서 괴물은 단지 희생자가 아니라, 자신의 존재를 인정받기 위해 투쟁하는 독립적 인물로 그려지며, 관객에게 깊은 감정 이입을 유도한다. 영화 중반부는 이 두 인물 사이의 복잡한 감정의 충돌로 구성된다. 창조자는 자신의 피조물에게 감정을 느끼기 시작하지만, 동시에 두려움을 갖는다. 피조물은 창조자를 아버지처럼 바라보지만, 배신과 방기에 대한 분노를 품는다. 이 감정적 이중구조는 단순히 드라마를 넘어, ‘생명에 대한 책임’이라는 주제를 극대화하는 장치로 작용한다. 기예르모 델 토로는 이러한 드라마를 시각적으로도 풍성하게 풀어낸다. 어두운 색조, 고딕 양식의 공간, 유기적인 세트 디자인은 영화 전체에 불안정하면서도 아름다운 분위기를 조성한다. 빛과 어둠의 대비, 대칭적인 구도, 그리고 비주얼과 사운드의 조화는 이 이야기가 단지 공포가 아니라, 슬픔과 연민을 담은 비극임을 시사한다. 또한 영화는 현대 사회에 맞게 주제를 확장한다. 유전자 조작, 인공지능, 인간복제 등 현대 기술이 열어놓은 윤리적 쟁점들과 자연스럽게 연결되며, 관객이 단순한 고전 재현이 아닌, 동시대적 질문을 마주하게 만든다. 괴물은 이제 과학의 산물이 아닌, 현대인이 마주한 정체성 혼란과 존재의 불안을 상징하는 아이콘으로 변모한다. 본론에서는 이처럼 캐릭터와 연출, 주제의 확장을 통해 ‘프랑켄슈타인’이 단순히 과거의 이야기가 아니라 현재의 이야기로 다시 살아났음을 짚었다. 결론에서는 이 영화가 가지는 예술적·사회적 의미를 종합한다.
괴물은 누구인가, ‘프랑켄슈타인’이 남긴 질문
영화 ‘프랑켄슈타인’은 그 자체로 고전적이면서도 철저히 현대적인 질문을 품은 작품이다. 그것은 단지 죽은 자를 되살리는 이야기가 아닌, 창조된 존재가 ‘인간’이라는 개념에 얼마나 다가갈 수 있는가에 대한 성찰이며, 창조자라 불리는 인간 스스로가 윤리적 책임에서 얼마나 자유로운가를 묻는 이야기이기도 하다. 오스카 아이작이 연기한 빅터는 단순한 과학자가 아닌, 인간의 고뇌와 오만, 그리고 연민을 동시에 지닌 복합적 인물로 그려지고, 제이컵 엘로디는 괴물이 아니라 또 다른 인간의 얼굴을 가진 존재로 관객 앞에 선다. 기예르모 델 토로 감독은 이 이야기를 통해 인간 존재의 조건, 창조와 소외, 그리고 생명에 대한 책임이라는 거대한 담론을 시청각적으로 구현해 낸다. 그는 단지 공포와 스릴을 연출하는 데 그치지 않고, 장면 하나하나에 감정의 깊이를 담아, 괴물이 눈을 뜨는 순간마저도 경외와 슬픔이 동시에 느껴지게 만든다. 그의 연출은 전통적인 고딕적 아름다움과 현대적 감성 사이에서 완벽한 균형을 이루며, 감정의 진폭을 끝까지 유지한다. 이 영화는 특히 현대 사회에서 점점 더 뚜렷해지는 기술 윤리 문제를 다시 생각하게 만든다. 인공지능, 생명 연장, 복제 기술 등은 이미 현실 속 프랑켄슈타인적 실험으로 여겨지고 있으며, 이 영화는 그런 현실을 비추는 거울로서 기능한다. 우리가 만든 것들이 과연 인간적인가, 그리고 우리는 그들에게 어떤 책임을 질 준비가 되어 있는가. ‘프랑켄슈타인’은 이러한 질문을 단지 철학적 담론이 아니라, 감정적 경험을 통해 관객에게 전달한다. 총평하자면, ‘프랑켄슈타인’은 단지 또 하나의 고전 리메이크가 아닌, 영화라는 예술을 통해 인간 존재의 본질을 탐구한 철학적 SF 드라마로 자리매김할 것이다. 오스카 아이작과 제이컵 엘로디의 연기, 기예르모 델 토로의 연출, 그리고 원작의 무게감 있는 주제의식이 만나 완성된 이 작품은, 고전의 생명을 다시 불러내며 동시대 관객에게 새로운 울림을 남긴다. 괴물은 어쩌면 우리가 만든 세상에 적응하지 못한 또 다른 ‘인간’ 일지도 모른다. 그것이 바로 ‘프랑켄슈타인’이 우리에게 던지는 마지막 질문이다.